01.04.22 TEXTO. #5

Vos microphones et votre studio maison

Par Andrew Wyatt

(Français)

De nos jours bon nombre de musiciens s’équipent dans le but de s’enregistrer à la maison. L’internet devient un outil essentiel pour nous aider à prendre des décisions d’achat. Lorsque vient le temps de se procurer des microphones, de nombreux essais, évaluations et témoignages peuvent venir fausser notre jugement. Il y a une énorme différence entre ce qu’un studio professionnel et un studio maison requiert comme équipement et il est important de bien se positionner avant de commencer à dépenser.

Tout d’abord, il est important de définir le mandat de votre studio:

– Est-ce pour le plaisir personnel de bien sonner?

– Est-ce pour enregistrer majoritairement vos projets?

– Est-ce dans le but de faire des pistes professionnelles sur les projets des autres?

– Est-ce que vous comptez avoir une large clientèle faisant ainsi de l’efficacité votre priorité?

Afin de bénéficier de l’aide que certains blogues ou vidéos peuvent vous fournir, vous devez être dans la même position que les auteurs car leurs besoins peuvent différer des vôtres, venant ainsi falsifier votre quête du meilleur son possible pour la situation dans laquelle vous vous trouvez. Il ne faut pas acheter quelque chose systématiquement dû au fait que cela fonctionne pour quelqu’un d’autre.

Un des facteurs essentiels – et souvent négligé – qui viendra altérer le son de vos micros est la pièce où vous aller enregistrer votre batterie. En effet, aucun microphone ne sonnera identique dans des environnements différents. Celui qui utilise le Saint-Graal des microphones dans une chapelle ou une salle d’orchestre afin de capter le meilleur son de room possible n’aura pas le même résultat s’il apporte ce même micro dans une pièce carrée avec un plafond moins haut. Dépendamment de la salle, les possibilités soniques, ainsi que le résultat de l’enregistrement peuvent varier énormément(pour le meilleur et pour le pire).

Aussi, il faut savoir connaître la différence entre l’insonorisation et le traitement acoustique d’une pièce. L’insonorisation est en lien avec le son qui s’échappent de la pièce ou plutôt à quel volume on entendra ou pas votre batterie à l’extérieur. Le traitement acoustique, quant à lui, se rapporte à l’amélioration du son de la pièce dans le but de contrôler les réverbérations ou d’obtenir un certain équilibre à travers le spectre des fréquences. Vous allez ainsi témoigner de la qualité sonore de votre performance en vrai ainsi que dans vos enregistrements tout en ayant l’heure juste sur la qualité réelle de vos micros (en autant qu’ils soient positionnés de manière optimale).

Si après coup vous vous trouvez tout de même en position d’investir dans des microphones de qualité supérieure, retenez la chose suivante: certains ingénieurs de renom travaillant dans des studios légendaires vont vanter les mérites de certains “standards” de l’industrie pour leur efficacité (et avec raison). Cependant, souvenez-vous que leur mandat est d’enchaîner plusieurs projets musicaux l’un à la suite de l’autre et qu’ils ne peuvent pas constamment se permettre de peaufiner un son de batterie à l’infini à l’aide de plugins ou de processeurs externes (égalisateur, reverb etc.). Ils choisissent donc d’investir une somme d’argent assez importante sur chacun des modèles de microphone dans le but d’économiser du temps. En contrepartie, si vous peaufinez votre recherche et sélectionnez des micros qui s’avèrent moins dispendieux et mieux adaptés à votre environnement, vous avez de bonnes chances d’obtenir des résultats similaires en dépensant moins mais en investissant un peu plus de votre temps à peaufiner votre son après coup.

Il existe un vaste choix en termes de type de micros sur le marché et il en est ainsi à cause des différents environnements d’enregistrement. Si vous avez traité votre sous-sol de manière à ce qu’il soit le plus assourdi possible, vous réaliserez peut-être que des overheads de type SDC (pour petits diaphragmes condenser, aussi appelés pencil mics) seraient plus logique que d’opter pour une paire à ruban ou omnidirectionnel à lampe car ils vont rejeter une plus grande partie du son de votre room qui, rappelons-le, sonne maintenant très sec à cause du traitement acoustique et n’apporte pas de valeur ajoutée à vos enregistrements. Cela va de soit aussi pour ceux qui sont tentés de capter le son de leurs toms (tambours) avec des micros condensateurs comme le démontre certains studios en ligne, ceux de type hyper cardioïdes isoleraient beaucoup mieux le son de chaque fût permettant ainsi de travailler plus précisément sur chaque piste individuelle.

Pour conclure, considérer fortement de louer avant d’acheter et n’hésitez pas à faire des tests. Si vous avez accès à des témoignages de personnes qui enregistre dans des conditions similaires aux vôtres, chérissez-les, cela pourrait s’appliquer à votre situation. Autrement, sachez reconnaître vos besoins et filtrer judicieusement les informations auxquelles vous avez accès afin d’éviter les déceptions!

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(English)

Your microphones and your home studio

By Andrew Wyatt

Nowadays, many musicians equip themselves with the aim of recording at home. The internet is becoming an essential tool to help us make purchasing decisions. When it comes to buying time to buy microphones, many tests, evaluations and testimonials can cloud our judgment. There is a huge difference between what a professional studio and a home studio equipment and it’s important to get your facts straight before you start spending. First of all, it is important to de fine the mandate of your studio:

  • Is it for your own personal enjoyment to sound good?
  • Is it to record mostly your projects?
  • Is it for the purpose of making professional tracks on other people’s projects?
  • Do you intend to have a large clientele, making efficiency your priority?

In order to benefit from the help that some blogs or videos can provide you, you must be the same position as the authors, as their needs may differ from yours, there by falsify your quest for the best possible sound for the situation you are in. You should not buy something systematically because it works for someone else. One of the most important – and often overlooked – factors that will alter the sound of your mics is the roomwhere you are going to record your drums. No two microphones will sound the same in different environments. Anyone who uses the holy grail of microphones in a chapel or an orchestra hall to orchestra hall to get the best possible room sound will not have the same result if he brings the same microphone in a square room with a lower ceiling. Depending on the room, the sonic possibilities, as well as the result of the recording, can vary enormously (for better or for worse).

Also, it is important to know the difference between sound proofing and the acoustic treatment of a room. Soundproofing is related to the sound that escapes from the room or rather at what volume your drums will be heard or not outside. The acoustic treatment, refers to the improvement of the sound of the room in order to control reverberations or to obtain a certain balance across the frequency spectrum. You will thus testify to the sound quality of your performance performance in real life as well as in your

recordings while having the right idea about the real quality of your microphones (as long as they are optimally positioned). If you find yourself in a position to invest in higher quality microphones after all, remember that some quality microphones, keep in mind that some of the most renowned engineers working in legendary studios will praise some of the industry’s “standards” for their effectiveness (and rightly so). However, remember that their mandate is to string together several musical projects back to back and they can’t constantly afford to tweak a drum sound over and over again with plugins or external processors (EQ, reverb etc.). They therefore choose to invest a fairly large amount of money in each of the microphone in order to save time. On the other hand, if you refine your search and select microphones that are less expensive and better suited to your environment, you have a good chance of achieving similar results for less money, but investing a little more of your time in fine-tuning your sound afterwards.

There is a vast choice in terms of the type of of microphones on the market and this is so because of the different recording environments. If you have treated your basement to be as muffled as possible, you may find that SDC (small diaphragm condenser) overheads small diaphragm condenser, also called pencil mics) would make more sense than a ribbon or omni-directional pair of or omnidirectional tube pair because they will reject more of the sound from your room, which, remember, now sounds very dry because of the acoustic treatment and does not add value to your recordings. This is also true for those who are tempted to capture the sound of their toms with condenser mics as demonstrated by some online studios, hyper cardioid mics would isolate the sound of each drum much better, thus allowing to work more precisely on each individual track.

In conclusion, strongly consider renting before buying and don’t hesitate to test. If you have access to testimonials from people who record in conditions similar to yours, cherish them, as they may apply to your situation. Otherwise, know how to recognize your needs and filter the information you have access to wisely to avoid disappointments!

“Diminuer pour augmenter” – Des concepts de pratique alternatifs pour amener votre jeu vers de nouveaux sommets.

Par Max Senitt

(Français)

Pratiquez-vous la batterie ou jouez-vous de la batterie, peut-être une combinaison des deux ? Les deux sont essentiels pour devenir le meilleur musicien possible, ce que je m’efforce personnellement de faire. Bien que jouer de la musique avec d’autres personnes soit impératif et essentiellement ce à quoi la pratique devrait nous préparer, il est utile de faire la distinction entre les deux et de rester concentré sur ce que vous faites à un moment donné. Lorsque vous jouez de la musique, jouez-la ! Ne pensez pas à la technique, aux exercices ou aux plans. Soyez immergé dans la magie de la MUSIQUE. Dans le même temps, lorsque vous vous exercez, EXERCEZ ! Utilisez ce temps pour cibler vos faiblesses, pour examiner ce que vous faites physiquement et mentalement sur votre instrument, et comment vous pouvez améliorer ce que vous faites. L’apprentissage de nouveaux morceaux constituera évidemment une part importante de votre temps de pratique. Voici deux idées que j’ai trouvées extrêmement efficaces pour tirer le meilleur parti de mon temps de pratique précieux et limité.

1) Diminuer le tempo.

La première idée que je voudrais présenter concerne, à mon avis, la façon la plus importante de pratiquer quoi que ce soit à la batterie (y compris développer la vitesse ! !!) et c’est de pratiquer LENTEMENT. La batterie en général exige une quantité incroyable de mouvements musculaires coordonnés et de motricité fine. Par conséquent, plus vous pouvez aller lentement, plus vous donnez à votre corps et à votre cerveau la possibilité de comprendre et de digérer le matériel que vous apprenez. Comme je l’ai découvert il y a de nombreuses années lorsqu’on m’a conseillé pour la première fois de pratiquer lentement, par le biais du mot “LENT” écrit à plusieurs reprises dans mon cahier de leçons par mon professeur ! Si vous n’avez pas l’habitude de pratiquer lentement, cela peut être assez difficile au début. Comme pour tout ce qui est difficile, il est préférable d’y aller pas à pas, et de faire des petits pas. Tout comme on a appris à beaucoup d’entre nous à augmenter progressivement le tempo au fur et à mesure que nous nous sentons à l’aise avec ce que nous travaillons, je suggère de DIMINUER progressivement le tempo. Jusqu’où pouvez-vous aller lentement ? Pouvez-vous imaginer à quel point vous connaîtrez la matière sur laquelle vous travaillez une fois que vous y serez parvenu ? Il est évident que l’utilisation d’un métronome sera importante pour cet exercice, mais il existe également plusieurs programmes informatiques et applications disponibles pour ralentir la musique (j’utilise actuellement une application appelée “Anytune”) que vous pouvez utiliser pour diminuer progressivement le tempo des chansons ou des pistes d’accompagnement que vous pouvez utiliser pendant la pratique.

2) Diminuer le volume.

Puisque nous parlons de métronomes et de pistes d’accompagnement, examinons une autre idée, en gardant à l’esprit que cet article ne porte pas sur le jeu, mais plutôt sur la pratique. Pour des raisons évidentes, lorsque nous sommes dans un studio d’enregistrement ou sur une scène, nous voulons absolument nous assurer que nous pouvons entendre les autres musiciens et la piste de clic (si elle est utilisée) à un volume confortable. Cependant, dans les confins sécurisés de la salle de répétition, nous pouvons nous permettre de repousser les limites. Tout en diminuant le tempo, nous pouvons également diminuer progressivement le volume de la piste de clics ou de la musique sur laquelle nous jouons, ce qui nous oblige à écouter plus profondément et, éventuellement, à jouer un peu plus légèrement. “Quelle est la partie du corps la plus importante utilisée pour jouer de la batterie ?” Je demande souvent à mes étudiants : “Les oreilles !” Je finis par répondre. C’est un excellent investissement pour notre musicalité que de diriger un peu d’énergie vers le développement de nos capacités d’écoute et de jouer plus légèrement. peut également contribuer à préserver nos oreilles de dommages potentiels. Dans quelle mesure pouvez-vous jouer silencieusement ? Pouvez-vous rester en rythme et suivre le rythme du clic ou de la musique même s’il est à peine audible ?

Bien que les idées présentées dans cet article puissent initialement aller à l’encontre de ce que l’on vous a enseigné et de ce que vous croyez, je vous invite à garder l’esprit ouvert. Jusqu’à la prochaine fois, je vous laisse avec les mots de feu le grand Jim Chapin. “Pensez par vous-même, et si quelqu’un vous montre quelque chose de bon, croyez-le ou écartez-le, mais examinez-le”.

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(English)

“Decrease to Increase” – Alternative practicing concepts to take your playing to new heights.

By Max Senitt

Do you practice or play the drums, perhaps a combination of the two? Both are essential for becoming the best musician possible, something I personally strive for. While playing music with others is imperative and essentially what practicing should prepare us for, it is helpful to draw a line of distinction between the two and stay focused on whichever one you doing are at any given time. When you are playing music, PLAY IT! Don’t be thinking about technique, exercises or licks. Be immersed in the magic that MUSIC is. At the same time, when you are practicing, PRACTICE! Use this time to really zero in on your weaknesses, to examine what you are physically and mentally doing on your instrument, and how you can make what you do better. Learning new material will obviously be an important part of your practice time as well. What follows are two ideas that I have found to be extremely effective for really getting the most out of my precious and limited practice time.   

1) Decrease tempo.

The first idea I would like to present deals with, in my opinion, the single most important way to practice anything on the drums (including developing speed!!!) and that is practicing SLOWLY. Drumming in general requires an incredible amount of coordinated muscle movements and fine motor skills. Therefore, the slower you can go, the more you give your body and brain the chance to comprehend and digest the material you are learning. As I discovered many years ago when I was first advised to practice slow, by means of the word “SLOW” repeatedly written in my lesson book by my teacher! If you are not used to practicing slowly it can be rather difficult at first. As with anything challenging that we work on, it is best to take it step by step, and make those steps small. Just as many of us have been taught to gradually increase the tempo as we become comfortable with whatever we are working on, I suggest gradually DECREASING tempo. How slow can you go?!  Can you imagine how well you will know the material you are working on once you get there? Obviously using a metronome will be important for this exercise, however there are also several great computer programs and apps available for slowing down music (I presently use an app called “Anytune”) that you can use for gradually decreasing tempo on songs or play-along tracks that you may be using during practice.

2) Decrease Volume.

While on the topic of metronomes and play-along tracks, let’s check out another idea, keeping in mind that this article is not about playing, but rather about practicing. For obvious reasons, while in a recording studio, or on a stage we definitely want to make sure that we can hear the other musicians and click track (if one is being used) at a comfortable volume. However, in the safe confines of the practice room, we have the luxury of pushing the limits. While decreasing the tempo, we can also gradually decrease the volume of the click or music we are playing along to, forcing ourselves to listen deeper, and possibly play a little lighter as well. “What’s the most important part of the body used to play the drums?” I often ask my students, “The ears!” I eventually respond. It is a great investment in our musicianship to direct some energy towards developing our listening skills, and playing lighter can also help save our ears from potential damage. How quiet can you play? Can you stay in time and groove with the click or music even when it’s barely audible?

While the ideas presented in this article may initially go against what you have been taught and believe, I urge you keep an open mind. Until next time, I will leave you with the words of the late great Jim Chapin. “Think for yourself, and if someone shows you something that is good, believe or discard it, but examine it”.

Repiquer une pièce musicale

Par Michel Bélanger

(Français)

Quand j’ai commencé à jouer de la batterie il y a plus de 30 ans, il n’y avait pas de professeur de batterie dans ma ville natale de la Côte-Nord. Internet n’en était qu’à ses premiers balbutiements-Youtube, Drumeo et autres plateformes étaient encore bien loin d’exister. La seule méthode que j’avais à ma disposition était d’écouter de la musique, de développer mes oreilles et ma mémoire. Me plonger dans des album sentiers à cet âge (8 ans), m’a permis de développer une excellente mémoire, une capacité d’apprentissage et de rétention de pièces musicales très efficace. J’ai ainsi appris tous les albums qui passaient entre mes mains à cette époque-que ce soit du Metallica, du Otis Redding, du Beatles, du Nirvana ou du Francis Cabrel pour ne nommer que ceux-ci. Avec le temps, j’ai été en mesure de travailler sur du vocabulaire de plus en plus avancé en apprenant des pièces complexes. Ce bagage m’est encore extrêmement utile aujourd’hui lorsque je suis appelé à apprendre un grand nombre de pièces rapidement.

Voici ma recette pour apprendre rapidement et efficacement de la musique. Vous comprendrez qu’il s’agit ici d’une version abrégée de ce que représente le processus. Peu importe le style ou la complexité de la musique, je m’y prend toujours de la même façon. Évidemment, cela me prendra plus de temps d’apprendre une pièce de Meshuggah que du Paul Piché!

  • Première écoute active: mon esprit dessine un portrait de la structure de la pièce.
  • Deuxième et troisième écoute active: la structure se précise un peu plus et je commence à attraper des détails qui caractérisent la musique. J’analyse le pattern de bass drum, où est placé le snare, quels genres de patterns de cymbales sont utilisés, etc.
  • Au besoin, je prends quelques notes, par exemple: un pattern qui ne m’est pas familier, des punchs qui ne sont pas prévisibles ou une structure plus exotique.
  • Par la suite, j’aime bien passer en écoute passive et laisser mon cerveau intégrer les informations. Une bonne nuit de sommeil et le lendemain matin, une bonne partie du travail est déjà fait. Au besoin, quelques écoutes actives de plus et habituellement, je suis prêt!

Selon le contexte et les besoins, on peut apprendre la pièce note pour note ou simplement en saisir l’essence et jouer comme on le sent par la suite. Ces deux façons de faire sont importantes mais nous devons respecter le contexte. Certains styles laissent une liberté au niveau de l’interprétation ou des fills (exemple: jazz, fusion). Par contre, d’autre style requiert une rigueur et une exactitude dans le rendu d’une pièce (exemple: rock progressif). Il est donc important de savoir quels seront les paramètres à respecter et quelle liberté sera à notre portée. Évidemment pour être en mesure d’apprendre une pièce rapidement, il est important, à mon avis, d’avoir pratiqué un certain nombre de concepts pour être suffisamment à l’aise avec à peu près n’importe quel pattern ou groove.

  • Bien connaître les particularités de la plupart des styles musicaux. Écoutez du latin, du jazz, du pop, du rock, du métal. Tous ces styles ont un vocabulaire particulier à respecter.
  • Avoir pratiqué plusieurs patterns et permutations de ghost notes sur le snare dans un groove.
  • Avoir pratiqué différents patterns de hi-hats ou ride sur un groove (sur le temps, sur le upbeat, sur la 2e double, sur la 4e double, deux croches-noire, noire-deux croches, etc.

Ceci est également vrai pour les grosses caisses bien sûr.

Voilà j’espère que ces quelques conseils pourront vous aider à explorer de nouveaux morceaux et de nouvelles façons de jouer. C’est important pour améliorer sa créativité et sortir des sentiers battus!

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(English)

Reproduce a musical piece

Par Michel Bélanger

When I started playing drums over 30 years ago, there were no drum teachers in my hometown on the North Shore. The Internet was in its infancy-Youtube, Drumeo and other platforms were still far from existing. The only method I had at my disposal was to listen to music, to develop my ears and my memory. Immersing myself in trail albums at that age (8 years old), allowed me to develop an excellent memory, a capacity of learning and retention of musical pieces very effective. I learned all the albums that passed through my hands at that time-whether it was Metallica, Otis Redding, Beatles, Nirvana or Francis Cabrel, to name a few. As time went on, I was able to work on more and more advanced vocabulary by learning complex pieces. This background is still extremely useful today when I am called upon to learn a large number of pieces quickly.


Here is my recipe for learning music quickly and efficiently. You will understand that this is a shortened version of what the process is all about. No matter the style or complexity of the music, I always go about it the same way. Obviously, it will take me longer to learn a Meshuggah piece than Paul Piché!

  • First active listening: my mind draws a picture of the structure of the piece.
  • Second and third active listening: the structure becomes a little more precise and I start to catch details that characterize the music. I analyze the bass drum pattern, where the snare is placed, what kind of cymbal patterns are used, etc.
  • If necessary, I take some notes, for example: a pattern that is not familiar to me, punches that are not predictable or a more exotic structure.
  • Afterwards, I like to listen passively and let my brain integrate the information. A good night’s sleep and the next morning, much of the work is already done. If needed, a few more active listens and I’m usually ready!

Depending on the context and the needs, we can learn the piece note for note or simply grasp the essence and play as we feel it afterwards. Both ways are important but we must respect the context. Some styles allow for freedom in interpretation or fills (e.g. jazz, fusion). On the other hand, other styles require rigor and accuracy in the rendering of a piece (example: progressive rock). It is therefore important to know what parameters to respect and what freedom is available to us. Obviously to be able to learn a piece quickly, it is important, in my opinion, to have practiced a certain number of concepts to be sufficiently comfortable with almost any pattern or groove.

  • Know the specifics of most musical styles. Listen to Latin, jazz, pop, rock, metal. All of these styles have their own vocabulary to follow.
  • Have practiced several patterns and permutations of ghost notes on the snare in a groove.
  • Have practiced different hi-hat or ride patterns on a groove (on the beat, on the upbeat, on the 2nd sixteenth, on the 4th sixteenth, two eighth notes-black, black-two eighth notes, etc.)

This is also true for bass drums of course.

I hope these tips will help you explore new songs and new ways of playing. It’s important to improve your creativity and to think outside the box!

Merci et bonnes répétitions !

Par Eric Boudreault

(Français)

J’aimerais prendre le temps de vous remercier entend que fondateur et directeur artistique de Drumfills Kafé. Notre cinquième saison se termine et tellement de nouvelles choses que vous allez découvrir pour la saison prochaine. Le printemps est à nos portes et si vous pouvez le faire, amusez-vous, joué des chansons pour le plaisir, prenez des cours de musique pour vous perfectionner, allez voir des concerts, travaillé vos faiblesses et améliorer vos forces comme musiciens. Beaucoup de belles choses vous attends, prenez seulement le temps de le faire.

Jouer d’un instrument de musique est une passion qui permet de vous évadez et de pouvoir communiquer avec d’autres musiciens. Comme une langue, pour avoir des phrases plus complexes il y a un temps à mettre pour augmenter ce vocabulaire. Le talent est une chose et faire la combination de celui-ci avec de la détermination cela sera la meilleure combinaison. Si l’apprentissage de votre instrument est difficile; avec beaucoup de pratique, il est certain que vous allez arriver à vos buts.

Plusieurs de mes étudiants(es) me demandent, ‘’comment dois-je organiser mes répétitions’’. Il y a plusieurs manières, cela dépendra de vous et comment adapter vos répétitions pour que vous puissiez être efficaces. Il a aussi des répétitions pour le plaisir, pour apprendre, pour préparer un spectacle, monter des auditions, enrichir votre vocabulaire, etc… Vous n’êtes pas obligé de pratiquer tout en même temps. Allez-y étape par étape. Si vous ne savez comment vous y prendre, la meilleure chose serait de parler avec un professeur de musique ou des musiciens bien établis. Ceux-ci pourront vous guider dans ces démarches et aussi vous proposer des choses à pratiquer.

J’ai eu la chance d’enseigner à plusieurs étudiants cette année qui se dirigent sois vers des études collégiales en musique ou universitaires. J’ai constaté beaucoup de persévérance et de vouloir. Peu importe où vous en êtes dans votre relation avec votre instrument de musique, si vous avez un bon focus et que vous prenez le temps de bien pratiquer il est certain que vous allez réussir à atteindre vos objectifs.

Sur ce bonnes répétitions.

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(English)

Thank you and good rehearsals!

By Eric Boudreault

I would like to take the time to thank you as the founder and artistic director of Drumfills Kafé. Our fifth season is coming to an end and there are so many new things for you to discover for the next season. Spring is just around the corner and if you can do it, have fun, play songs for fun, take music lessons to improve your skills, go see concerts, work on your weaknesses and improve your strengths as musicians. Many great things are waiting for you, just take the time to do it.

Playing a musical instrument is a passion that allows you to escape and communicate with other musicians. Like a language, to have more complex phrases there is a time to increase that vocabulary. Talent is one thing and commingling it with determination will be the best combination. If learning your instrument is difficult, with a lot of practice, you will certainly achieve your goals.

Many of my students ask me, “How should I organize my rehearsals? There are many ways, depending on you and how you adapt your rehearsals so that you can be effective. There are also rehearsals for fun, to learn, to prepare for a show, to set up auditions, to enrich your vocabulary, etc… You don’t have to do everything at once. Take it one step at a time. If you don’t know how to go about it, the best thing would be to talk with a music teacher or established musicians. They will be able to guide you in these steps and also suggest things to practice.

I have had the opportunity to teach several students this year who are either heading to college or university for music studies. I have seen a lot of perseverance and desire. No matter where you are in your relationship with your musical instrument if you have a good focus and take the time to practice well it is certain that you will succeed in reaching your challenges.

On that note, good rehearsals.