Exploration du Globe sur la batterie

Par Max Senitt

D’aussi loin que je me souvienne, à ce qu’on m’a dit, mes influences et mes intérêts musicaux ont été véritablement mondiaux. Je suppose qu’il y a quelque chose à dire sur le fait de suivre son propre chemin ou que le “bon” chemin se présente (apparemment) automatiquement devant vous, parce que l’éventail incroyablement large de musiciens de toute la planète que j’ai eu le grand honneur de connaître et avec lesquels j’ai joué dans le passé et que je continue à côtoyer aujourd’hui est vraiment incroyable et correspond à 1000% à mes rêves les plus profonds. Ce qui suit sont des idées et des observations générales basées sur des situations et des expériences spécifiques dans lesquelles je me suis retrouvé récemment et au cours des 25 dernières années d’étude et de pratique professionnelle de la musique. En tant que musicien dont la batterie est le principal outil d’expression, j’ai connu et je continue de connaître des frustrations et de reconnaître les avantages et les exigences liés à l’exécution des types de musique que je joue fréquemment. Ce sont des sujets dont je pense qu’il est bénéfique de discuter pour toute personne qui cherche à élargir ses horizons musicaux. Maintenant, plongeons dans le vif du sujet !

Frustrations:

L’une des plus grandes frustrations que j’ai immédiatement ressenties lorsque j’ai commencé à explorer les “grooves mondiaux” était que la plupart des musiques étaient basées sur les percussions, et que mes oreilles percevaient tous ces sons merveilleux, mais que j’avais du mal à les relier à mon propre instrument, la batterie. Bien sûr, à l’époque moderne, une batterie, ou même des sons programmés semblables à ceux d’une batterie, sont courants dans le monde entier. Cependant, j’aspire toujours à approfondir la musique que j’étudie, afin de pouvoir construire sur les bases les plus solides, et cela exclut presque toujours la batterie au départ. Certains sons de percussion peuvent vraiment être difficiles à simuler sur une batterie. Au-delà de la question du transfert des sons de percussion sur la batterie, d’autres aspects frustrants sont le placement rythmique inclassable et les noms et orthographes concrets pour certains grooves. La musique écrite en notation occidentale ou tout autre type de notation peut être extrêmement utile pour disséquer et digérer la musique, mais il y a certaines “sensations”, celles qui se trouvent dans les interstices entre les doubles croches et les triolets, qu’il est tout simplement impossible de noter précisément ou d’intellectualiser, et même si elles étaient écrites “exactement”, la “magie” pourrait très facilement se perdre dans le processus d’écriture ou en essayant de lire ce qui a été écrit. J’ai également rencontré certains rythmes distincts qui soit n’ont pas de nom particulier, soit ont reçu des noms ou des orthographes complètement différents pour le même rythme. Ce manque de clarté peut être un défi pour le type érudit !

Avantages:

Malgré les nombreux défis que doit relever un musicien qui tente d’apprendre à jouer un large éventail de musique traditionnelle ancienne sur une batterie, cette entreprise présente également plusieurs avantages incroyables. La batterie elle-même n’est pas un instrument unique, mais une collection de plusieurs instruments de percussion aux sons distincts qui peuvent être joués simultanément. C’est une bonne nouvelle ! Alors que la plupart des musiques à base de percussions nécessitent traditionnellement plusieurs musiciens jouant chacun leur partie pour créer un groove complet, nous pouvons généralement jouer 4 parties en même temps. Dans tout type de musique jouée avec un ensemble de n’importe quelle taille, il est essentiel d’entendre et de savoir ce que les autres musiciens jouent et comment ce que vous jouez s’intègre ou non dans leurs parties. Par conséquent, d’un point de vue éducatif ou pratique, la capacité de jouer plus d’une partie à la fois est incroyablement utile. Un autre aspect impressionnant de la batterie est le large éventail d'”outils” et d’altérations que nous pouvons appliquer pour produire des sons. Les tambours, les cymbales, ou tout autre élément que nous souhaitons ajouter à notre “engin” musical, peuvent être joués avec n’importe quelle combinaison de mains nues, de baguettes, de pinceaux, de maillets et de tout ce qui se trouve entre les deux. Je suis également connu pour incorporer fréquemment des shakers, des triangles à une main, des tambourins, etc. dans mes grooves. En gardant ces choses à l’esprit, nous sommes capables de recréer d’innombrables types et couches de sons, et je ne parle ici que des instruments acoustiques, car l’application de sons échantillonnés et de déclencheurs électroniques offre 20 autres vies de découvertes !

Les exigences :

L’une des plus grandes conditions pour réussir dans tous les domaines de notre vie est d’essayer de garder un esprit ouvert. En tant que batteurs, nous sommes généralement habitués à jouer certaines choses d’une certaine manière, encore et encore. C’est une partie importante de notre rôle dans de nombreuses situations musicales, mais il est également essentiel d’être flexible et de vouloir jouer des choses qui peuvent sembler complètement opposées à ce que nous avons l’habitude de faire. Après avoir fait nos recherches, et surtout après avoir écouté, nous pouvons faire des choix musicaux éclairés qui conviennent aux situations dans lesquelles nous nous trouvons. Soyez assez courageux pour laisser de côté quelque chose, ajouter quelque chose, ou tout ce qui est approprié pour la musique. Le monde est vaste et contient beaucoup de choses, et nous avons maintenant un accès instantané à plus d’informations que nous ne pourrons jamais utiliser. Le meilleur conseil que j’utilise pour moi-même et que je souhaite partager avec vous est d’être curieux, de suivre votre cœur, de faire vos devoirs et de vous amuser.

______

Exploring the Globe on the drum set

By Max Senitt

Since longer than I can remember, so I am told, my musical  influences and interests have been truly global. I guess there is something to be said about following your own path or the “right” path (seemingly) automatically appearing before you, because the incredibly wide range of musicians from around the planet that I have had the great honour to know and perform with in the past and continuing in the present has been truly incredible and 1000% inline with my deepest dreams. The following are generalized ideas and observations based on specific situations and experiences that I have found myself in recently and in the past 25+ years of studying and performing music professionally. As a musician with the drum-set being my primary tool for expression, I have, and continue to experience frustration, and recognize advantages and requirements for performing the types of music that I frequently play. These are topics that I believe to be beneficial to discuss for anyone on the path of broadening their musical horizons. Now let’s dive right in!

Frustrations: 

One of the biggest frustrations that I immediately found when I began exploring “global grooves” was that much of the music was percussion based, and my ears were taking in all of these marvellous sounds, yet I had a difficult time relating them to my own instrument, the drum-set. Of course in modern times, a drum set, or even programmed  “drum-set” like sounds are common place around the world, however, I always aspire to dig deeper into the music that I am learning about, so that I can build on the strongest foundation, and this almost always excludes a drum-set initially. Some percussion sounds can really be challenging to simulate on a drum-set. Beyond the issue of transferring percussion sounds to the drum-set, other frustrating aspects include unclassifiable rhythmic placement, and concrete names and spellings for certain grooves. Written music in western or any other type of notation can be extremely helpful for dissecting, and digesting music, however, there are certain “feels”, the ones in the cracks between 16th notes and triplets, that are simply impossible to precisely notate or intellectualize, and even if they were written down “exactly”, the “magic” could quite easily be lost in the process or writing or trying to read what was written. I have also encountered certain distinct rhythms that either have no particular name, or have been called completely different names or spellings for the exact same rhythm. This lack of clarity can be challenging for the scholarly type!  

Advantages:

Despite the many challenges of a musician trying to properly learn to play a wide range of ancient traditional music on a drums-set, there are also several incredible advantages to this endeavour. The drum-set itself is actually not one instrument, but a collection of several distinct sounding percussive instruments that can be played simultaneously. This is good news! Whereas most percussion based music traditionally requires several musicians each playing their own parts to create a whole groove, we can generally play 4 parts at the same time. In any kind of music played with any size of ensemble, hearing and knowing what the other musicians are playing and how what you are playing fits with or against their parts is essential. Therefore from simply an educational or practical performance application, the ability to play more than one part at a time is incredibly useful. Another awesome aspect of the drum-set is the wide range of “tools” and alterations that we can apply to produce sounds. Drums, cymbals, or whatever else we wish to add to our musical “contraption”, can be played with in any combination of our bare hands, sticks, brushes, mallets, and anything else in between. I have also been known to frequently incorporate shakers, one-handed triangles, tambourines etc, into my grooves. Keeping these things in mind, we are able to re-create innumerable types and layers of sounds, and this point I am only referring to acoustic instruments, as the application of sampled sounds and electronic triggers provides another 20 lifetimes of discovery!

Requirements: 

     One of the biggest requirements for success in every area of our lives is to try to keep an open mind. As drummers we are generally accustomed to playing certain things a certain way over and over again. This is an important part of our role in many musical situations, however it also essential to be flexible, and willing to play things that might seem completely the opposite to what we are accustomed to doing. After doing our research, which will most importantly include listening, we can make educated musical choices to suit the situations in which we find ourselves. Be brave enough to leave something out, add something in, or whatever is appropriate for the music. The world is large and contains much, and we now have instant access to more information than we could ever possibly use. The best advice that I use for myself and wish to share with you, is to be curious, follow your heart, do your homework, and have fun. 

Ce fameux trou dans votre peau de grosse caisse!

Par Andrew Wyatt

La grosse caisse est une partie intégrante du son d’une batterie et d’un batteur. Dépendamment du style recherché, elle variera en grandeur et en profondeur. En spectacle ou en studio, on en captera toujours le son, afin d’incorporer dans un mix, l’attaque et les basses fréquences qui la caractérise. Chez les batteurs, il semble y avoir deux écoles de pensée: ceux qui gardent leur peau de résonnance vierge et ceux qui y percent un trou. Analysons ensemble le résultat de ces deux options en contexte de spectacle et en studio.

Commençons par mentionner qu’un trou dans une peau de résonnance altèrera le son de votre grosse caisse. Vous obtiendrez un son un peu moins rond avec plus d’attaque et une plus grande projection. Rien de drastique toutefois, comparé à toutes les possibilités qui viennent de s’ouvrir pour capter le son à l’aide de microphones. Plus petit le trou sera, plus le son se rapprochera de celui d’une peau vierge. Par contre, dès que nous perçons notre peau, qu’importe la grosseur du trou, la batte de votre pédale rebondira moins, ce qui n’est pas une mauvaise chose en soi. Les anneaux protecteurs de trous de grosse caisse, primordiales pour éviter les déchirures, sont généralement disponibles en trois grandeurs soit 4, 5 et 6 pouces. Bien que le plus petit format puisse accueillir la plupart des microphones de grosse caisse standard, certains modèles plus massifs pourraient y être difficiles à insérer. À 5 pouces, on ne se trompe pas!

Il ne nous est pas étranger de voir des grosses caisses avec un trou au milieu de la peau et, contrairement à ce que l’on peut croire, ce n’est pas le placement optimal. En effet, le manque de peau de résonnance directement devant l’impact de votre pédale fera échapper rapidement tout l’air qui donne du soutien et de la rondeur à votre tone de grosse caisse. Le son sera plus sec et si on y place un microphone, il captera essentiellement l’attaque et recevra une bouffée d’air qui pourrait s’avérer être audible (à noter que ce placement de microphone ne donnera pas le même résultat qu’avec une peau vierge). Si vous visez un son sec de la sorte en studio, essayez en revanche de retirer complètement la peau de résonnance et de placer le microphone principal ailleurs qu’au centre. Ce qui nous amène à parler du placement idéal du trou (et du microphone par le fait même). Dans le but d’isoler le plus possible le micro de grosse caisse des autres composantes de la batterie,    on découperait le trou à “4h30” (voir photo).

En contexte d’enregistrement, on peut dès lors y placer un microphone cardioïde ou hyper-cardioïde en prenant soin de le pointer vers le centre de la peau de frappe afin d’obtenir une meilleure captation du son générale. Rien n’empêche aussi de rapprocher le microphone plus près de la peau de frappe ce qui aura pour effet d’accentuer l’attaque, tout en réduisant la résonnance et les basses fréquences (si c’est ce que l’on cherche à obtenir). Un deuxième microphone, souvent un condensateur, peut aussi être placé à l’extérieur de la grosse caisse pour venir ajouter une autre dimension, voir une autre saveur au son capté par le microphone interne. Leur rôle fluctuera aussi si en plus nous avons accès à un microphone de room. Il n’y a pas de secret, il faut faire des tests afin de trouver l’équilibre qui nous plaira!

En contexte de spectacle, un ingénieur de son sera heureux de vous voir arriver avec une peau de résonnance percée.  En plus de toutes les vertus énumérées en contexte de studio, le microphone sera mieux isolé du reste des autres instruments. De plus, plusieurs ingénieurs ont recours à des microphones de type PZM (pour Pressure Zone Microphone) placés à l’intérieur de la grosse caisse afin d’éliminer le besoin d’un pied de microphone, laissant ainsi plus d’espace sur la scène aux autres membres du groupe pour circuler tout en évitant les accidents (voir photo).

Il y a de bons points pour les deux écoles de pensée, mais il est sage d’assumer qu’un trou dans votre peau de résonnance peut être très versatile et accommodant. Quitte à posséder une peau vierge et une peau percée, l’important de s’adapter au contexte dans lequel nous jouons.

______

That famous hole in your bass drum head!

By Andrew Wyatt

The bass drum is an integral part of the sound of a drum set and a drummer. Depending on the style, it will vary in size and depth. In live performance or in the studio, it will always be captured in order to incorporate the attack and low frequencies that characterize it into a mix. Among drummers, there seem to be two schools of thought: those who keep their resonance skin blank and those who drill a hole in it. Let’s analyze the results of these two options in a live and studio setting.

Let’s start by mentioning that a hole in a head will alter the sound of your bass drum. You will get a slightly less round sound with more attack and more projection. Nothing drastic though, compared to all the possibilities that have just opened up for capturing sound with microphones. The smaller the hole, the closer the sound will be to that of a virgin skin. However, as soon as we pierce our skin, no matter how big the hole is, the bat of your pedal will bounce less, which is not a bad thing in itself. Bass drum hole protector rings, which are essential to prevent tearing, are generally available in three sizes: 4, 5 and 6 inches. While the smaller size will accommodate most standard bass drum microphones, some of the larger models may be difficult to fit. At 5 inches, there is no mistaking it!

It is no stranger to seeing bass drums with a hole in the middle of the head and, contrary to what you might think, this is not the optimal placement. Indeed, the lack of a resonant head directly in front of the impact of your pedal will make all the air that gives support and roundness to your bass drum tone quickly escape. The sound will be drier and if a microphone is placed there, it will essentially pick up the attack and receive a puff of air that could be audible (note that this microphone placement will not give the same result as with a blank skin). If you are aiming for a dry sound like this in the studio, however, try to remove the resonant skin completely and place the main microphone somewhere other than in the center. This brings us to the ideal placement of the hole (and the microphone). In order to isolate the bass drum microphone as much as possible from the other components of the drum kit, we would cut the hole at “4:30” (see photo).

In a recording context, a cardioid or hyper-cardioid microphone can be placed there, taking care to point it towards the center of the head in order to obtain a better overall sound pickup. There is also nothing to prevent the microphone from being placed closer to the head, which will accentuate the attack, while reducing resonance and low frequencies (if that is what you are trying to achieve). A second microphone, often a condenser, can also be placed outside the bass drum to add another dimension, or even another flavor to the sound captured by the internal microphone. Their role will also change if we have access to a room microphone. There is no secret, we have to test to find the balance that we like!

In a live setting, a sound engineer will be happy to see you arrive with a pierced resonant skin. In addition to all the virtues listed in the studio context, the microphone will be better isolated from the rest of the instruments. In addition, many engineers use PZM (Pressure Zone Microphone) microphones placed inside the bass drum to eliminate the need for a microphone stand, leaving more room on stage for the other band members to move around while avoiding accidents (see photo).

There are good points for both schools of thought, but it is wise to assume that a hole in your resonant skin can be very versatile and accommodating. Even if you have a blank skin and a pierced skin, the important thing is to adapt to the context in which we play.

L’enseignement en ligne, comment bien s’y adapter autant pour le professeur(e) et l’étudiant(e) ?

Par Eric Boudreault

Il y a déjà un peu plus d’une année et demie que la pandémie nous a frappé, et cela à chamboulé nos vies. Tous les domaines de métier furent touchés et nous avons dû utiliser notre sens de l’adaptation à une très grande vitesse. Les musiciens qui avaient des engagements, ont dû tout canceller.
Quelles sont les avenues pour jouer, apprendre ou enseigner la musique ?

L’enseignement est un dossier qui fut très touché, les professeurs ont dû revoir leurs méthodes d’enseignement et offrir leurs cours pour la plupart en ligne. Pour certain, cela fut très facile car ils enseignaient déjà en ligne depuis plusieurs années mais pour certain ce fut un changement majeur.

Les étudiants eux aussi ont dû s’adapter pour étudier, prendre leurs cours et pratiquer leurs instruments en très grande partie en ligne ou en mode présentiel avec plusieurs restrictions. Certains étudiants étaient déjà des connaisseurs de l’enseignement en ligne, pour eux ce fut une adaptation plus facile.

Alors comment bien apprendre et enseigner dans de telles conditions ? Est-ce possible pour tous d’enseigner ou de prendre des cours en ligne ? Est-ce que la qualité et la matière sont les mêmes ? Est-ce que les cours en personne seront histoire du passé pour certaines personnes ? Aimez-vous mieux des cours en ligne individuels, groupes ou préenregistrés ?

Beaucoup de questionnement et aussi de réponses. L’enseignement de la musique en ligne demande certaines notions et équipements. Il faut bien penser à nos objectifs et comment construire ceux-ci. De nos jours presque tout le monde possède un téléphone cellulaire, un ordinateur ou une tablette. Nous avons accès à beaucoup de manière de se connecter avec des plateformes ou applications de vidéos. Donc, beaucoup d’options et comment bien choisir ?

Beaucoup de musiciens que je connais utilisent leur ordinateur avec des applications comme Zoom, Facetime, Messenger et Skype pour donner leurs cours. Mais ils n’ont pas tous une batterie dans un studio d’enregistrement avec tous les microphones et amplificateurs. Pour la plupart cela se fait avec une batterie électronique, Pads de pratique, vraie batterie avec des microphones ou même parfois sans l’instrument. Cela veut dire que plusieurs ont l’option d’enseigner et que même sans tous les outils la matière se transmet sans problématique majeur. De nos jours toutes les partitions peuvent être transmises via courriel, chat et aussi en partage d’écran. Devons-nous avoir beaucoup de caméras ou la meilleure technologie du moment ? Pas vraiment… Il est possible de donner ou prendre un cours avec un téléphone par exemple. Tous les téléphones depuis les dernières dix années ont de très bonnes caméras et microphones. Il vous faudra peut-être ajouter acheter un pied pour tenir celui-ci.

Il y a certaines craintes des étudiants qui ne pensent pas pouvoir bien apprendre ou que ce ne sera pas la même chose qu’en présentielle et cela est tout à fait normal. Cependant, pour plusieurs les cours en ligne ont plusieurs avantages : moins de déplacement, jouer sur leurs instruments, pourvoir enregistrer les cours, recevoir des informations directement sans devoir attendre à l’autres cours, etc…

Une autre crainte venant des deux côtés est de devoir être encore devant un écran après une journée à l’école, bureau, etc… Cela pourrait devenir une situation qui découragerait des gens de prendre ou de donner des cours en ligne.

Maintenant il y a aussi beaucoup d’écoles en ligne et aussi des écoles qui offrent la flexibilité des deux options. Il y a aussi de cours complets préenregistrés disponibles en téléchargement, ceux-ci sont vraiment bons pour les étudiants qui veulent apprendre à leur rythme sans devoir nécessairement être devant un écran.

Qu’en est-il de la qualité des professeurs ? Il y a présentement une très grande offre.
Comment bien choisir ses professeurs ou écoles ? Il y a parfois beaucoup d’improvisation, de professeurs qui se disent experts mais qui n’ont pas les connaissances requises sans oublier le facteur monétaire.
 Comment savoir si la valeur déboursée est égale à ce que vous allez recevoir ? Je vous suggère d’effectuer des recherches avant de payer pour un cours avec un professeur ou une école en ligne. Regarder les commentaires sur internet, voir si la personne à un site web, biographie, quelle est sa renommée, etc… Oui parfois cela pourrait vous coûter plus cher, mais vous allez apprendre avec des professeurs et musiciens de qualité qui sauront bien vous guider.

Il est important de bien comprendre qu’un bon professeur que ce soit en ligne ou en personne sera capable de transmettre ses connaissances mais il devra faire les efforts pour s’adapter à la technologie que ce soit de base ou avancé. Le monde de l’enseignement subit un changement, une transformation qui donnera une accessibilité à des gens qui ne pourraient prendre des cours en présentiel, prendre un cours avec une personne vivant dans un autre pays, ou même graduer d’une école rêvée sans devoir y être physiquement. 

Je vous suggère de l’essayer que vous soyez étudiants ou professeurs, sortez de votre zone de confort et vous allez apprendre, j’en suis certain !

______

Online teaching, how to adapt to it for both the teacher and the student?

By Eric Boudreault

It has been a little over a year and a half since the pandemic hit us, and it has turned our lives upside down. All areas of the business were affected and we had to use our sense of adaptation at a very high speed. Musicians who had commitments had to cancel everything.
What are the avenues for playing, learning or teaching music?
Teaching is an area that has been very much affected, teachers have had to rethink their teaching methods and offer their courses mostly online. For some, this was very easy because they had already been teaching online for several years but for some it was a major change.
The students also had to adapt to study, take their classes and practice their instruments mostly online or face to face with many restrictions. Some students were already familiar with online teaching, so it was an easier adjustment for them.
So how to learn and teach well in such conditions? Is it possible for everyone to teach or take courses online? Is the quality and the material the same? Will face-to-face classes be history for some people? Do you like individual, group or pre-recorded online courses better?

A lot of questions and also answers. Teaching music online requires certain notions and equipment. We have to think about our objectives and how to build them. Nowadays almost everyone has a cell phone, a computer or a tablet. We have access to many ways to connect with video platforms or applications. So, a lot of options and how to choose well?
A lot of musicians I know use their computers with apps like Zoom, Facetime, Messenger and Skype to teach their classes. But not all of them have a drum set in a recording studio with all the microphones and amplifiers. For most this is done with an electronic drum set, practice pads, real drums with microphones or even sometimes without the instrument. This means that many have the option to teach and even without all the tools the material can be passed on without major problems. Nowadays all the scores can be transmitted via email, chat and also screen sharing. Do we need to have a lot of cameras or the best technology of the moment? Not really… It is possible to give or take a class with a phone for example. All phones for the last ten years have very good cameras and microphones. You may have to add a stand to hold it.
There are some fears from students that they won’t be able to learn well or that it won’t be the same as face-to-face, and that’s perfectly normal. However, for many, online courses have several advantages: less travel, playing on their instruments, being able to record the lessons, receiving information directly without having to wait at the other course, etc…

Another fear coming from both sides is having to be in front of a screen again after a day at school, office, etc… This could become a situation that would discourage people from taking or teaching online courses.
Now there are also many online schools and also schools that offer the flexibility of both options. There are also complete pre-recorded courses available for download, these are really good for students who want to learn at their own pace without necessarily having to be in front of a screen.
What about the quality of the teachers? There is currently a very large offer.
How do you choose your teachers or schools? There is sometimes a lot of improvisation, teachers who claim to be experts but who do not have the required knowledge, without forgetting the monetary factor.
How do you know if the value you pay is equal to what you will receive? I suggest you do some research before paying for a course with an online teacher or school. Look at the comments on the internet, see if the person has a website, biography, what is their reputation, etc… Yes sometimes it could cost you more, but you will be learning with quality teachers and musicians who will guide you well.
It is important to understand that a good teacher, whether online or in person, will be able to pass on his knowledge but he will have to make the effort to adapt to the technology whether it is basic or advanced. The world of education is undergoing a change, a transformation that will give accessibility to people who could not take a face-to-face class, take a class with someone living in another country, or even graduate from a dream school without having to physically be there.

I suggest you try it whether you are a student or a teacher, get out of your comfort zone and you will learn, I am sure!